Los compositores pertenecientes al movimiento conocido como nacionalismo incorporaron en sus obras elementos rítmicos y melódicos del folclor.
El primer paso fue dado en Rusia, donde Mijail Glinka abrió esta tendencia con la ópera "Una vida por el zar" (1836), modelo a seguir por sus sucesores, de especial manera Modest Musorgski, un maestro de novedosos conceptos armónicos y gran habilidad descriptiva. Su mayor creación fue la ópera "Boris Godunov".
Junto con los anteriores figura Nikolai Rimski-Korsakov, quien formó con ellos, con excepción de Glinka, parte del llamado "Grupo de los Cinco". Su legado más notorio está en los arreglos orquestales, como "Capricho español" y "Scherezade".
El nacionalismo en España fue representado más que nada por dos maestros del piano: Isaac Albéniz y Enrique Granados. El primero es autor, entre otras obras, de la Suite Iberia. Granados, más refinado y cercano a lo clásico, aportó con las Goyescas y las Escenas poéticas.
En la zona escandinava fue el noruego Edvard Grieg el primer compositor propiamente nacionalista. Su maestría le impulsó a escribir obras como las dos suites de Peer Gynt.
En el caso de la República Checa, sus dos autores más notables fueron: Bedrich Smetana y Anton Dvorák. El primero obtuvo su fama con una serie de seis poemas sinfónicos que se titularon Ma vlast (Mi patria).
Anton Dvorák fue heredero de Smetana y un símbolo musical de la tradición eslava.
Como sinfonista, sus creaciones son consideradas un modelo y una muestra de la trascendencia y fluidez que había alcanzado la música orquestal al final del siglo XIX. Un ejemplo es su "Sinfonía núm. 9, Del nuevo mundo, op. 95".
Cámara: se denominaba así, antiguamente, una de las habitaciones de los palacios reales, reservada al uso particular del soberano, y por extensión, también a los servidores del rey cuyas funciones se realizaban en la cámara. Bajo el reinado de Francisco I, habiendo aumentado mucho el número de los músicos ordinarios del rey, fueron divididos sus servicios en dos grupos, uno de los cuales recibió el título de “Chantres de la Chambre”, lo que les diferenciaba de los llamados “Chantres de la Capilla”. Desde mediados del siglo XVII estos grupos fueron tres y se dedicaban a distintos servicios: cámara, capilla y caballeriza. Los músicos de cámara, cantores e instrumentistas, ejecutaban el repertorio profano en los conciertos íntimos celebrados en los departamentos privados, y participaban en las ceremonias ostentosas, en las fiestas y en la capilla. Este fue el motivo de que en todos los países se adquiriese la costumbre de dominar “música de cámara” a las composiciones destinadas a un pequeño número de ejecutantes y especialmente a aquellas en las cuales no se repite cada una de las partes vocales o instrumentales.
En “El mundo de la Música” encontramos:
Cámara: composición para un pequeño grupo instrumental, en la que cada parte es más o menos independiente y con carácter de solo. La música de cámara es mucho más íntima que la escrita para interpretarse en salas de conciertos, y de aquí su nombre. Las combinaciones más frecuentes son:
- Trío (violín, viola y violoncelo)
- Trío de piano (piano , violín y violoncelo)
- Cuarteto de cuerda (2 violines, viola y violoncelo)
- Quinteto con piano (piano y cuarteto de cuerda)
- Sonatas para violín y piano o violoncelo y piano
- Quinteto para clarinete y cuarteto de cuerda
- Tríos, cuartetos, quintetos, sextetos, septiminos y octetos en diferentes combinaciones de cuerda, viento y piano.
Y por último, definición que encontramos en el “Diccionario Harvard de Música”:
Música de Cámara: tal y como se utiliza el término actualmente, música escrita para e interpretada por un grupo reducido, generalmente instrumental, con un instrumentista por parte. El término se ha definido o delimitado de modo diverso en varias épocas, como reflejo de las cambiantes condiciones sociales y musicales. En el s. XIX y una buena parte del XX significaba música instrumental para grupos pequeños en la tradición procedente de los maestros clásicos vieneses, Haydn, Mozart y Beethoven. Una gran parte de esta música está escrita en formato de sonata en cuatro movimientos y lleva títulos abstractos que indican el número de instrumentos empleados (trío, cuarteto, quinteto, sexteto, septeto, octeto, noneto). La música de cámara se ha escrito casi siempre para cuerda, pero también se han utilizado con frecuencia piano y cuerda, un conjunto mixto de viento y cuerda, viento solo y otras combinaciones. La música para un solo intérprete, con o sin acompañamiento, suele quedar excluida de esta definición, porque la interacción entre las voces se considera un elemento esencial de la misma.
En conclusión:
Se trata de una música instrumental para conjunto. Consta en general de dos a doce músicos, uno por cada parte melódica, y todas las partes tienen la misma categoría. La música de cámara de alrededor de 1750 estaba principalmente compuesta para cuarteto de cuerdas (dos violines, una viola y un chelo), aunque también han sido populares los dúos, tríos y quintetos, éstos últimos con cuatro instrumentos de cuerda y un piano o un instrumento de viento. Esta música estaba, en principio, destinada a actuaciones privadas. Los conciertos públicos de música de cámara comenzaron a tener lugar sólo a partir del siglo XIX.
La música profana de la edad media y el renacimiento (1450-1600) estaba generalmente compuesta para pequeños conjuntos vocales e instrumentales. La mayoría de las composiciones eran piezas vocales a tres, cuatro y cinco voces. Los grupos instrumentales simplemente tocaban esta música vocal de cámara usando cualquiera de los instrumentos deseados o disponibles en esa época.
El primer gran ejemplo de lo que hoy día identificamos como música de cámara apareció en Inglaterra a finales del siglo XVI y principios del XVII. En esa época se escribió una gran cantidad de música para grupos de cuatro a siete violas, conformando lo que se llamaría viol consort o conjunto de violas. Era una música de carácter íntimo y a menudo intensamente emotiva. Una de las formas más típicas para la cual se ha escrito música de violas es In nomine, una fantasía basada en una vieja melodía de canto llano que se hizo famosa por utilizar las palabras "In nomine Domini" de una misa del compositor John Taverner de principios del siglo XVI. Christopher Tye compuso 20 arreglos de In nomine que revelaron el continuo desarrollo de un estilo instrumental característico. Para ello utilizó la totalidad de las seis cuerdas de las violas y su capacidad para interpretar grandes saltos melódicos. William Byrd escribió 7 arreglos. Esta forma continuó vigente durante el siglo XVII, cuando Henry Purcell produjo dos magistrales arreglos, a seis y siete partes, alrededor de 1680.
En la era del barroco (1600-1750), las sonatas en trío también podían tocarse, si así se deseaba, en un conjunto mayor, de seis a ocho intérpretes. Además, se componían cantatas de cámara para voz solista y continuo, así como dúos vocales con continuo, que de hecho sirvieron de modelo a la sonata en trío.
Lo que va a hacer el impresionismo es rescatar la música de la influencia del Romanticismo,
La naturaleza como punto de partida. El pintor pintará lo que ve en un golpe de vista, "su impresión", el compositor tiende a suscitar con su música una imagen visual tan fuerte como pueda, por ejemplo en La Mer o en Nuages de Debussy.
No se pretende destacar un objeto, sino la impresión o impacto que produce en nosotros ese objeto.
Desaparecen las líneas melódicas y se hacen imprecisas, es decir, sin línea y periodización claras. La melodía se convierte en algo fragmentario, algo que evoca lo esencial, lo que contribuye a crear más que otra cosa una atmósfera sonora imprecisa. Trata de evitar que la melodía se pueda definir claramente como mayor o menor.
Se suprimen las armonías tradicionales y se sustituyen por otras no basadas en tonos mayores o menores, sino en escalas raras y no usadas, como la pentatónica, etc. Se introdujo el uso de la escala de tonos enteros o exátonas y pentatónicas que hacen referencia a algunos módulos de la música oriental.
Colorido de la instrumentación.
Se valora el sonido en sí mismo, como objeto de placer y sin ninguna finalidad, es una concepción esteticista del arte.
Importancia del timbre. Anteriormente la instrumentación estaba sometida a otros elementos musicales. Ahora será un elemento fundamental para crear las sensaciones deseadas. Para ello no dudan en incluir instrumentos ajenos a la tradición europea.
Ritmos irregulares, flexibles, imprecisos o tomados de países no europeos (desde los ritmos sincopados del jazz a ritmos de danzas orientales).
Uso de intervalos complejos, desde la novena en adelante, intervalos de cuartas y quinta paralelas propios de la música medieval.
Uso de la disonancia sin resolver.
Sobre una nota que queda sonando, llamada pedal, se añaden notas nuevas extrañas a él.
Falta de secciones cadenciales claras.
FORMAS MUSICALES
El impresionismo no tiene unas formas propias que se puedan diferenciar claramente. Las formas de composición musical que se utilizaron en esta etapa, posiblemente, ya se habían utilizado con anterioridad, pero los autores de la época dejan ver en ellas un rechazo a las tonalidades clásicas, lo que dio paso a la utilización de una serie de sonidos o acordes que en toda la obra no dominaban sobre otros. En las formas impresionistas lo que importa es el colorido o sonoridad de cada acorde con independencia de las disonancias que estos puedan llegar a crear con sus choques con los demás acordes ( los compositores pretendían que fuera nuestro oído el que “fundiera” los sonidos ).
En las obras se podían llegar a emplear escalas orientales y exóticas. Además, las formas no tienen una estructura clara; ya que en ella no encontramos grandes puntos climáticos o grandes frases claramente estructuradas en secciones y las frases no se distinguen unas de otras con claridad. Las formas utilizadas fueron: Sinfonía, poema sinfónico, obertura, rondó, romanza, variaciones sinfónicas, suite, sonata o preludios. Pero en estas formas se encontraba el estilo musical propio del impresionismo con esa indefinición y donde son los oyentes los que tienen libertad para captar nuevas sensaciones, ya que la música del impresionismo (aunque las formas utilizadas no sean innovadoras porque se habían utilizado antes) es una música subjetiva. También destaca la utilización de formas libres (con unos instrumentos concretos y escalas determinadas) para imitar a los fenómenos naturales como el sonido del mar, el viento, la lluvia, etc.
INSTRUMENTACIÓN PROPIA DE LA ÉPOCA
En el Impresionismo todos los instrumentos tienen importancia, pero dentro de ellos uno de los más destacados es el piano, cuyo precursor es el claricordio.
En cuanto a este instrumento, las innovaciones en la escritura que hizo Debussy fueron muy importantes. Puede decirse que Debussy es uno de los organizadores del estilo pianístico del siglo XX. Otro instrumento de teclado de gran importancia en la actualidad, es el órgano, conocido antes por los griegos.
Entre los instrumentos utilizados en la música moderna figuran:
El clarinete.
El oboe.
Las trompas.
Los clarines.
Los trombones.
Las trompetas con sordina.
El saxofón (destacado en las obras compuestas por Ravel).
En esta época no podemos olvidar a los instrumentos de percusión que tuvieron gran importancia:
Los instrumentos occidentales:
tantán, (es como un gong).
batintín,
gong, (instrumento de percusión que consiste en un disco de bronce que suena cuando es percutido con una baqueta de tela. Muchos tienen una prominencia en el centro, donde se produce la vibración)
el metálico timbal,
el grave bombo,
el pequeño tamboril.(tambor pequeño que se toca con un solo palillo o baqueta)
Este periodo impresionista utiliza sonoridades sutiles, suaves, que buscan una música íntima y recogida.
En resumen, esta música rompe con lo romántico y wagneriano (pertenece a Wagner o a su escuela musical; partidario de la música de Wagner.)
AUTORES MÁS RELEVANTES
El impresionismo, tal vez empieza con la música de músicos impresionistas como: Satie, Dukas, D'Indy, Séverac, Pierné y Chausson aunque el máximo precursor de este movimiento es Claude Debussy.
El origen de la ópera, tiene lugar en Florencia donde se reunían un círculo de artistas y profesores llamados la Camerata Florentina, todos en torno al conde Giovanni Bardi, entre las décadas de 1570 y 1580. Este grupo trataba de dar vida nuevamente al olvidado arte dramático de la antigua Grecia la “Tragedia Griega.” Entre ellos se encontraba Vicencio Galilei (compositor y teórico, padre del astrónomo Galileo Galilei y quién publicó por primera vez algunos fragmentos conservados de la música griega antigua) y Giovanni Caccini cantante y compositor. Las investigaciones de la camerata no influyeron mucho en la sociedad de la época, pero si influenciaron la estética de la ópera que vendría posteriormente.
Otro grupo que se empezó a reunir alrededor de 1590 en el palacio del comerciante Conde Jacopo Corsi, fueron el poeta Otavio Rinuccini y el compositor Jacopo Peri, e hicieron un drama pastoril de Giovanni Batista Guarini llamado Il pastor Fido (El Pastor Fiel). Esto demuestra que a pesar del gran interés por revivir el drama y música antigua de los griegos, las primeras óperas fueron pastoriles y no tragedias.
La unión de Jacopo Corsi, Otavio Rinuccini y Jacopo Peri, generó la representación de Dafne generalmente considerada la primera ópera.
Este primer trabajo se perdió (sólo quedó el texto) y trataba del mito griego de la naturaleza que habla de la bella ninfa Dafne, tal como lo relata Ovidio en la Metamorfosis. El dios sol Apolo persigue a Dafne y la convierte en árbol. Este mundo mágico de dioses y semidioses de Ovidio siguió siendo un tema importante durante la temprana historia de la ópera.
Otro trabajo de Rinuccini-Peri fue un drama titulado Euridice, (Florencia, 1600) para celebrar el casamiento de Enrique IV de Francia y María de Medici. Euridice es una ópera basada en el mito de Orfeo, el cantor y tañedor de la lira tracio. Eurídice, la esposa de Orfeo, muere por la mordedura de una serpiente y Orfeo desciende al Hades para rogar por la vida de su esposa. Los seres demoníacos se compadecen de su canto expresivo y le permiten regresar al mundo con Eurídice. Orfeo y Apolo el dios sol y de la música van a ser personajes importantes en las primera óperas.
A partir de principios del siglo XVII, la estructura continuó evolucionando gracias al compositor Claudio Monteverdi. Nació en 1567, hijo de un médico de Cremona, ciudad de los constructores de violines. A edad muy temprana empezó a componer madrigales. Toda la obra de este genial compositor tiene la convicción, de que la música debe conmover al hombre, expresando los más profundos sentimientos. En sus últimos trabajos exploró la expresión de la emoción humana, otorgando a sus personajes vida y profundidad, únicamente comparables a los personajes de los escritos de Shakespeare (nacido tres años antes que Monteverdi) y años más tarde a los que crearon Mozart y Verdi. Monteverdi hizo representar Orfeo el 24 de febrero de 1607, escrito para las bodas del príncipe de Gonzaga con Margarita Saboya. L’orfeo, favola in musica, fue la primera ópera en alcanzar un lugar importante y estable en el repertorio operístico. La acción la representan Orfeo y Eurídice, recién casados junto a ninfas y pastores. Cuando muere Eurídice, Orfeo va al mundo inferior para salvarla. A causa de su amor, infringe la orden de no volver su rostro y mirar a Eurídice en el camino de retorno. Su esposa es condenada al Hades de nuevo. Apolo conduce a Orfeo al paraíso donde se reunirá para siempre con su amada.
Las óperas primitivas tendían a sustituir los finales trágicos por finales felices.
Nacen a partir de este momento reglas en la estructura dramática: el lieto fine (final feliz) alternancia de escenarios (idilio, mundo inferior, paraíso), la combinación de recitativos y números independientes, coros, danzas, airosos, ritornellos y canciones a varias voces. La orquesta toma mayor importancia, utilizando instrumentos simbólicos para cada escena.
La siguiente ópera fue basada en la leyenda griega de Ariadna, lamentablemente se perdió la partitura y queda sólo de ella el famoso L’amento de Arianna(1608), una efusión enormemente expresiva cantada por Ariadna tras ser abandonada por su amante Teseo en la isla de Naxos.
Monteverdi tuvo algunos problemas importantes, empezando con la muerte de su esposa, dificultades en Mantua con un brote de peste. Luego en 1618 empezó la guerra de los treinta años, por ello la ciudad de Gonzaga fue saqueada en 1630 y muchas de sus obras inéditas fueron quemadas. Otras de sus ópera representadas en Venecia son Il ritorno d’ Ulisse in patria (1641), L’incoronazione di Popea (1642), es una de las primeras óperas históricas donde aparecen personajes cómicos; estos personajes secundarios son retratados con viveza y vigor, anticipando la ópera buffa.
Monteverdi falleció en Venecia en 1643 y fue enterrado en la iglesia de Frari.
La ópera era un espectáculo reservado a la corte, un asunto de las clases nobles, pero eso fue cambiando y empezó a convertirse en un espectáculo dramático para el público en general. Benedetto Ferrari, músico y administrador, abrió el teatro de ópera San Cassiano en Venecia, para todo público y económicamente accesible. Años más tarde Ferrari abriría otros dos teatros de ópera convirtiéndose ésta en un pasatiempo popular.
El romanticismo fue un movimiento cultural que influyó en casi todas las artes: la pintura, la literatura y fuertemente en la música, durante el siglo XIX y transcendió hasta el siglo XX.
Para los músicos románticos, la música debía expresar con sonidos lo que no se podían decir con palabras; era el arte de los sentimientos y las intuiciones del ser humano, algo que podía llegar a conmover lo más hondo del ser humano.
El romanticismo dio oportunidad a los compositores de expresar musicalmente todas sus inquietudes y sus ideas acerca de los sentimientos del ser humano.
RESUMEN DEL PERÍODO ROMÁNTICO MUSICAL.
Se suele decir que el romanticismo se inició en los años 1770 ó 1780, con el movimiento alemán llamado Sturm und Drang. Fue principalmente influenciado por Shakespeare, las sagas folklóricas, reales o ficticias, y por la poesía de Homero. Escritores como Goethe o Schiller, cambiaron radicalmente sus prácticas, mientras en Escocia Robert Burns transcribía la poesía de las canciones populares. Este movimiento literario se reflejó de varias maneras en la música del período clásico, incluyendo la obra de Mozart en la ópera alemana, la elección de las canciones y melodías que se utilizarían en trabajos comerciales, y en el incremento gradual de la violencia en la expresión artística.
CARACTERÍSTICAS. En la música romántica predomina la melodía, frecuentemente inspirada en lo popular y sin la organización ni las cuadraturas clásicas. Los ritmos son complejos y libres, y los tempos, extremos. Además, se amplia el concepto de armonía. Los instrumentos más frecuentes son la voz, el piano y la orquesta, produciéndose grandes avances en la evolución de instrumentos y la orquesta. Las formas musicales vocales son el lied y la opera y las instrumentales la sinfonía y el poema sinfónico. También se dan pequeñas formas musicales como valses y estudios
La percusión: Los instrumentos de percusión se caracterizan por emitir su sonido o vibración a través del golpeo con un cuerpo sólido. Entre otras cosas, la percusión se distingue por la variedad de timbres que es capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros instrumentos musicales
Cabe diferencar entre tres clases de percusión:
Percusión de membranas:
Como nos indica su nombre, llamamos "percusión de membranas" a los instrumentos que poseen una o dos membranas tensas y que emiten un sonido al golpear sobre éllas. Estas membranas pueden ser golpeadas con escobillas metálicas, con palillos de madera, con baquetas de distintos materiales o con las mismas manos.
Ejemplos de "percusión de membranas": TimbalesDe forma semiesférica, los timbales se componen de una caja de resonancia hecha de bronce, de latón o de otros materiales, y de un parche. Aparte, también constan de un aro sujeto por medio de ocho tornillos que sirve para afinar el instrumento. Su sonido varia cuando se tensa el parche y a través del pedal. Dependiendo de la posición con que se apriete el pedal resultará un tipo u otro de sonido. Una de las técnicas más habituales es el "glissando", que consiste en mover el pedal de forma ininterrumpida. Si se quiere detener el sonido, se utilizaran los dedos, las baquetas o las manos. Entre otras muchas cosas, destaca de los timbales lo fácil que es detectar los cambios de intensidad que se producen.
BomboDe gran volumen, el bombo es un instrumento de percusión compuesto de dos parches que se tensan a través de unas llaves ubicadas a ambos lados de la caja de resonancia. A diferencia de los timbales, el bombo no se caracteriza por ningun sonido determinado. No obstante, algunas de las técnicas más habituales de este instrumento se realizan con: - Con una gran baqueta. - Con dos baquetas.
CajaLa caja es un instrumento pequeño típico de las "marchas" que tiene una forma cilíndrica y está compuesto de dos membranas. De éstas solamente se afina una. La percusión se realiza mediante el uso de escobillas o palillos. Destaca especialmente un efecto, el llamado "redoble". Este efecto se consigue mediante el uso de dos palillos alternativamente y a gran velocidad.El timbre resultante será más o menos seco dependiendo de si hacemos uso o no del bordón metálico que contiene.
BongósSi hablamos de "bongós", nos estamos refiriendo a dos instrumentos asociados, uno de mayor tamaño que el otro. Este instrumento de origen étnico no tiene un sonido determinado y posee una única membrana, que se toca con los dedos.
Percusión de láminas:
Los instrumentos de "percusión de láminas" estan construidos, generalmente, a base de metal, piedra o madera y no contienen membranas. Es importante destacar que no tiene un tipo de golpeo determinado y específico sinó que admite múltiples posibilidades. No obstante el sonido resultante si que es personal y pariticular. Este tipo de percusión se compone de una doble fila de tubos o láminas y es capaz de producir distintas escalas cromáticas.
Ejemplos de instrumentos de "percusión de láminas":
Xilófono El xilófono es un instrumento hecho de madera de palisando que se percute utilizando las baquetas. Es característico de este instrumento el uso del "glissando".
Marimba La marimba es parecida al xilófono pero su tamaño es más pequeño. Al igual que el xolófono, también está construido de madera y también contiene unos tubos o láminas. El sonido resultante dependerá del uso que hagamos de las baquetas ya que a veces se llegan a utilizar hasta dos o tres baquetas en cada mano.
Lira
Las caracteríaticas principales de la lira son su pequeño tamaño y la claridad de su sonido. Está compuesto de láminas metálicas y su golpeo se realiza a través de unas baquetas duras.
Vibráfono El vibráfono es un instrumento cuyo origen situamos a principios del siglo XX y que aprece relacionado básicamente con la música jazz. Está hecho de metal y posee dos tubos que sirven como amplificadores. Destaca especialmente por contar con un motor. El sonido que emite se apaga mediante el pedal: cuando lo soltamos, deja de sonar.
Campanas Las campanas se componen de dieciocho tubos colgados hechos de metal, concretamente de latón o de cobre, todos ellos de distinta longitud. El sonido que transmiten se produce a través del golpeo en la parte superior con uno o con dos mazos. Cuando se quiere apagar el sonido se hace mediante un pedal o una barra.
Puede ser llamada también musica “culta”; pero en el concepto moderno, toda musica es producto de una cultura, entendiendo por ésta, el conjunto de ideas, creencias religiosas, ciencias, artes y costumbres que forman y caracterizan el estado social de un pueblo o una raza.
De todas formas, lo que define a este estilo musical es excluyente. Se trata de aquella que no es popular ni folklórica. Es realizada por pocos, con la idea de que le guste a muchos, pero estos no suelen ser tantos en general. Sus autores y ejecutores han estudiado una larga carrera en escuelas especiales, conservatorios, y sus oyentes, en general han sido inducidos a gustarla por tradición familiar, que luego puede cultivarse. Requiere de cierta iniciativa personal para llegar a ella. Algo que si es definitivo es que ha podido trascender las fronteras del tiempo y el espacio; es universal. El mensaje que transmite la música clásica ha evolucionado en forma paralela al pensamiento occidental. Es su característica mas notable: no es estática, esta en contínuo recambio de formas y modos, buscando siempre nuevos lenguajes, nuevas formas de expresión, cosa que no ocurre en la música de otras culturas.
A pesar de los limitantes de no ser folklórica ni popular, la musica clasica está confinada a un ámbito geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus herederos culturales, primero los americanos y después algunos otros. Hay también una limitante temporal, refiriéndonos con el término “musica clasica” a aquella creada a partir del Renacimiento y que representa el fenómeno cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa posrenacentista.
Sus orígenes radican en las musicas medievales y renacentistas, quedando estas excluidas de la clasificación “clasica”. También se excluyen la oriental y la africana, sin desconocer sus valores y aportes. La música clásica occidental nos dice de estados anímicos muy profundamente arraigados en los europeos y sus herederos espirituales.
Normalmente en música se entiende por clasicismo, el breve periodo que va desde 1770 a 1810.
El clasicismo es un periodo artístico en el que se tiende a expresar la idea de perfección formal de la realidad, con la fuerza mas absoluta; es decir, se tiende a expresar el mundo como un ser bello, perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de lo ideal. Es por esto que se tiende a acentuar la forma de las cosas y no la ideología o el contenido. De esta manera se logra reflejar perfección. El clasicismo nos da un hombre como ser armónico y a la humanidad es reflejada como una sociedad perfecta y sin problemas. Esto conlleva a una contradicción que surge durante la revolución francesa, un periodo de rupturas, de cambios de todo tipo y no lo refleja en su estética. El hombre clásico es, pues, el ideal de lo bello. Lo único que tiende a expresar. 1.- Johann Sebastian Bach 2.- Wolfgang Amadeus Mozart 3.- Ludwig van Beethoven 4.- Fredreric Chopin 5.- Franz Liszt 6.- Johannes Brahms 7.- Antonin Dvorak 8.- Edvard Grieg 9.- Claude Debussy 10.- Maurice Ravel
